Votre culture et le "J'aime / J'aime pas"

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Photo : Mariacarla Boscono par Peter Lindbergh

Nous avons tous le droit d'aimer certaines choses, mais également de ne pas en aimer d'autres.



En revanche, appliquer le "j'aime /  j'aime pas" à sa propre culture est très castrateur. Si vous faites cela, vous ferez toujours la même chose sans jamais évoluer. Votre propre culture ne s'étendra jamais.

Vous vous privez d'une partie du savoir et vous vous empêchez d'observer. Or l'une des caractéristiques de l'intelligence est qu'elle permet de "bénéficier des fruits de l'observation en discernant les différences"

N'oubliez pas non plus, que les gouts évoluent avec le temps et qu'ils s'étendent au fur et à mesure que vous allez conquérir des nouvelles choses, en sortant de votre zone de confort. En d'autres termes, vos gouts de maintenant ne sont qu'une infime partie de vos gouts de demain. 

Dans leur grande majorité, les adolescents "savent tout sur tout", du haut de leur quelques années de vie. C'est un comportement excusable, car c'est le passage obligé vers la vie d'adulte. Mais vous, ne restez pas dans "l'adolescence de votre savoir"...



A l'inverse, si vous vous intéressez à une multitude de sujets (même à ceux que vous n'aborderez pas vous même, en tant que photographe), vous allez commencer à "ouvrir votre œil". Aller voir une exposition de Dali (par exemple) peut agrandir singulièrement votre horizon artistique et créatif...



Afin de découvrir de nouvelles choses, quitte à devoir vous "faire violence" pour sortir de votre zone de confort, dites vous que si des gens sont considérés comme des maitres dans leur discipline, ce n'est jamais par hasard. Essayez de découvrir pourquoi ils ont acquis ce statut et ce qui, dans leur œuvre, représente la maitrise. Vos n'êtes pas obligé de tout aimer. mais vous êtes tenus de tout regarder, dans la mesure de vos possibilités.



Et vous pouvez étendre cette notion à votre culture technique : essayez d'aborder de nouvelles techniques dont vous pourriez avoir besoin, afin d'augmenter l'étendue de vos compétences. et pour "ouvrir votre horizon"

 

Note pour l'éducation des enfants : 
J'ai eu la chance de naitre avant l'internet et de ne pas être victime de la dispersion et superficialité mentales que peut provoquer un afflux de données non évaluées (souvent fausses) et prodiguées sans notion de niveau du lecteur et hors-séquence. En effet, Internet "permet" d'accéder à énormément de données fausses, lues "en diagonale", sans spécifier le niveau requis et sans ordre précis et donc sans notion de progressivité. Nos enfants sont à la merci de telles données potentiellement dangereuses pour leur intégrité intellectuelle et culturelle.

Lorsque j'étais enfant, j'a dévoré des "encyclopédies pour enfants" comme par exemple des "encyclopédies scientifiques" et "encyclopédies sur l'Art", avec des textes simples écrits avec des polices de taille moyenne et beaucoup d'illustrations, souvent sous la forme de dessins clairs et lisibles. Je prenais à la lettre A et terminais à Z.
On peut dire que ça m'a sauvé la vie, culturellement parlant. Le savoir, c'est la liberté et la prise de contrôle de sa destinée.

Je vous suggère donc de procéder de la même manière avec vos enfants. Pas de tablettes (de toutes façons vivement déconseillées pour les petits) mais des encyclopédies papier de ce type, que vous pouvez lire avec eux au début, pour les inciter. Ce sont des gros livres qui sentent l'encre et le papier. Vous verrez qu'au bout d'un moment, vos enfants seront "accro", même si par ailleurs ils se servent de leurs tablettes et autres smartphones ou ordis. Cela va stimuler leur intérêt pour la technique et pour l'art, intérêt qui durera toute leur vie.


Attention à l'Encyclopédie "Tout l'Univers" : Elle est très bien, mais je vous conseille de ne la leur donner qu'après avoir utilisé des encyclopédies plus simples, en 2 ou 3 (gros) volumes.

Pour les parents

Passée la période de rejet de l'école, il y a toujours un moment de sa vie ou l'on ressent le besoin d'apprendre à nouveau. Vous pouvez donc vous aussi, prendre ces encyclopédies pour enfants en commençant par celle que vous préférez le plus.
 

Ne vous sentez pas ridicules si vous aimez une encyclopédie toute simple, au contraire. Le savoir, c'est le savoir. Il est bon à prendre partout ou on le peut. Les encyclopédies pour enfants existent pour que les petits puissent acquérir des données en tenant compte de leur développement intellectuel et de leurs capacités cognitives. Mais ça ne veut pas dire que les adultes ne peuvent pas les utiliser eux-aussi, afin de reprendre "les bases"

La lecture de A à Z permet de tout aborder, avec plus ou moins de curiosité, et d'éviter les "jaime / j'aime pas"

Amusez vous bien ;)

Le rôle du Traitement dans le Style

N°03 de la Série "Votre Style Photographique"

13/01/2015

 

Photo : Lilian Bassman

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Attention : Développement ou Retouche ?

Par expérience, j'ai constaté que la très grande majorité des gens ne connaissent pas la différence entre Développement et Retouche. Je vous invite donc à lire ce texte : Quelle est la différence entre Développement et Retouche ?

 

Introduction

Le traitement (développement, retouche éventuelle et post-traitement de finalisation) fait partie de la technique du "labo numérique" (ou du labo argentique). Savoir post-traiter vos images est indispensable, et cela fait partie des choses qui vont vous distinguer. Mais attention, ne soyez pas naïfs au point de croire qu'un type de traitement, un type de retouche, un preset Lightroom ou une Action Photoshop suffiront à créer "votre style". C'est beaucoup plus complexe que cela. La retouche n'est pas obligatoire mais si elle existe, elle fait partie du traitement. En regardant votre Portfolio, on devra trouver une unité de style au niveau du traitement.

 

Personnalisez votre traitement.

En Photographie chimique, le photographe utilisait le choix du film, de la chimie, du papier comme des outils intervenant dans le rendu final. Ces choix influençaient l'aspect "plasticien" de la photographie, la "réponse" des contrastes, la tonalité et la restitution des couleurs, la sensation de "matière" associée à l'image elle-même. Au final, cette caractérisation allait influencer la réponse émotionnelle de la photographie, auprès du lecteur.

Telle qu'elle est délivrée par un boitier numérique (y compris pour un fichier RAW) et malgré un développement numérique personnalisé, l'image est totalement dépourvue de cet aspect plasticien. Cela a pour conséquence de donner des images au rendu complètement uniforme et identique, tous modèles et toutes marques confondues. En quelque sorte, cela revient à dire que - en terme de rendu - tous les photographes produisent tous les mêmes photos, quelque soit le matériel numérique utilisé.

 

Ceci va à l'encontre de la personnalisation du Style. Il est donc nécessaire de mettre en œuvre des moyens techniques pour contrebalancer l'uniformisation des rendus que nous a apporté le numérique. 
 

Je vous propose de lire ce tuto, qui va vous donner un point de vue exhaustif sur le sujet : Le rendu de la photo Numérique

 

Quelques exemples de rendus éclatants de maitres de la photographie.

  • Le "simple" rendu argentique, dans les portraits en noir et blancs dramatiques, directement inspirés des photographes américains de la Grande Dépression, mais aussi de l'expressionnisme Allemand des années 40 de Peter Lindbergh
  • La finesse des rendus à très courte profondeur de champ, alliés à la texture inimitable de la chambre photographique de Paolo Roversi : sensualité, gravité et mystère
  • Les noirs et blancs argentiques, dont le flou et le graphisme donnent une ambiance à la fois mystérieuse, sophistiquée et minimaliste de Lilian Bassman
  • Le romantisme, les flous évanescents, la dialectique colorée, le mystère de la peinture photographique de Sarah Moon

 

Photographie ou Visuel Pub ?

Je vais essayer de définir ce qui selon moi détermine la limite entre Photographie et Visuel Pub.

Je vais baser cette différenciation sur celle que l'on fait depuis longtemps en argentique et sur ce que font certains Maitres de la photographie.

  • Une photographie est une image non retouchée ou dont les retouches sont mineures (petits boutons, petits défauts, etc). On n'a pas touché à la surface de la peau et son aspect est exactement le même que dans la réalité. On obtient ici, ce qu'on aurait vu sur les tirages argentiques développés et tirés par son photographe de quartier.
     
  • Un visuel Pub est une image obtenue à partir d'une photographie. Mais l'infographie a tellement été poussée que la personne représentée ne ressemble pas aux êtres humains que nous croisons dans la rue : peau au grain parfait, formes du visage impeccablement galbées, etc. Le résultat est très esthétique, mais il ne s'agit plus d'une photographie. Nous avons à faire à un visuel infographique.
     
  • Les deux ont tout autant de valeur et selon moi, un photographe doit être capable de réaliser l'un comme l'autre.
  • Il n'y a aucun problème sur le fait de ne présenter que des visuels pub dans son portfolio. Et vous pouvez tout à fait baser votre style sur des photos de type "visuel pub"
     
  • Mais attention, vous devez être capable par ailleurs de réaliser des photos sans ce type de retouche poussée. Que se passera t'il si on vous demande un jour de réaliser des photos sans cette retouche de type "visuel" mais qu'en revanche, on exige un style marqué ?
     
  • Et le pire serait que la retouche vous serve à masquer des lacunes en tant que photographe. Vous devez être irréprochable au niveau de votre connaissance de la technique de prise de vues. A ce sujet, vous pouvez consulter ce tuto : Le rôle de la Technique dans le Style 
     
  • Attention au micro Dodge & Burn, au Split Frequency et d'une manière générale, aux techniques d'uniformisation. Utilisées sans discernement de style, elle vont rendre vos réalisations tout aussi uniformes que celle de votre voisin qui aura également utilisé ces techniques. Sur certains portfolios, la première chose que l'on se dit c'est "tiens il a utilisé du D&B". Or, c'est bel et bien l'image elle même qui devrait sauter au yeux. L'univers du photographe. La puissance du regard du mannequin. Pas les techniques utilisées en retouche !
     
  • Donc Si vous retouchez, la retouche doit être au service de votre style. Votre image doit communiquer avec force et faire oublier les techniques qui ont été utilisées pour la produire. Ce seul facteur est pour moi un indice important permettant de juger de la maturité d'un portfolio. Ne tombez pas dans le : "superbement réalisé, mais trop technique, ne communique rien qui surpasse la technique elle même"
     
  • Si vous regardez les images des 4 photographes donnés en exemple ci-dessus, vous aurez une parfaite illustration de comment le traitement se met au service du message (et non l'inverse)

Le rôle de la Technique dans le Style

N°02 de la Série "Votre Style Photographique"

18/11/2015

Photos : Behind The Scene Peter Lindbergh

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Le succes en photographie, et plus particulièrement pour le portrait, dépend de la capacité de saisir ces instants supprèmes qui passent en une fraction de seconde, sans jamais se répéter – de sorte que la lumière, l'équilibre, l'expression – doivent être vus, ressentis pour ainsi dire – en un éclair, la mécanique et la technique étant si parfaitement maîtrisées qu'elles deviennent automatiques.

-- Edward Weston

Ne plus y penser

La technique est primordiale, même si elle ne suffit pas. Lorsque l'on possède les techniques photographiques sur le bout des doigts, on n'a plus besoin d'y penser lorsqu'on les applique. De la même manière que lorsqu'on fait du vélo, on ne réfléchit pas à ce que nos bras, nos mains et nos jambes font, on peut maitriser les commandes et l'usage de son materiel de manière totalement instinctive.

 

Quelques éléments techniques qui peuvent caractériser le style

Nous pouvons recenser quelques élements techniques qui pourront donner une "patte" à vos images :

 

Cadrage et combinaisons de cadrage

Vous pouvez cadrer au centre, "couper" le haut de la tête, utiliser systématiquement un tiers de l'image pour placer votre personnage, etc.
Vous pouvez également utiliser des combinaisons de cadrages : un plan américain, combiné à une photo en pied, ou à un portrait épaules.
La rigueur des cadrages permettra de donner une unité de style.


Choix des distances et des focales

Les distances (et le choix des focales qui en découle), les angles de champ ainsi que les déformations et distortions utilisées en toute connaissance de cause, peuvent donner une signature visuelle et dynamique a vos images


Lumière

Si vous utilisez un flash de studio, vous pourrez donner une "signature lumineuse" en choisissant un "gimmick" (une manière de disposer vos éclairages, commune à toutes vos mises en lumière) pour vous caractériser. Il n'est en général pas nécessaire de "chercher" votre signature. Elle se dessinera d'elle même au fur et à mesure de votre pratique. 
En lumière naturelle, vous pourrez également utiliser des techniques afin de caractériser votre lumière. Exemple : la "tente noire" de Peter Lindbergh

Votre style photographique

N°01 de la Série "Votre Style Photographique"

27/10/2015

 

On me pose souvent la question de "comment trouver son style photographique". C'est à cette fin que j'ai établi une liste de données-clés. Ce premier article expose un plan des sujets à aborder pour tenter de répondre à la question. Vous y trouverez également un ensemble de références à lire. Au sein de ce blog, tout ce qui concerne le Style est regroupé sous le mot clé "Style". Les différents points de ce plan seront détaillés par la suite, dans le cadre d'articles spécifiques dans cette Série sur Votre Style Photographique

 

Dans un médium aussi récent que la photographie, il me semble impératif de faire un sérieux effort pour découvrir et annoncer son sujet personnel d'intéret. Ce dernier devient une signature visuelle qui appartient au photographe. faute de quoi, le travail devient académique, et n'est plus qu'une variation sur le sujet précédent.

— Ralph Gibson.

 

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1 - Le rôle de la Technique dans le Style

 

La technique est primordiale, même si elle ne suffit pas. Pour maitriser son style, il est vital de maitriser sa technique photographique sur le bout des doigts, au point de ne plus y penser lorsqu'on l'applique.

 

Le succes en photographie, et plus particulièrement pour le portrait, dépend de la capacité de saisir ces instants supprèmes qui passent en une fraction de seconde, sans jamais se répéter – de sorte que la lumière, l'équilibre, l'expression – doivent être vus, ressentis pour ainsi dire – en un éclair, la mécanique et la technique étant si parfaitement maîtrisées qu'elles deviennent automatiques..

-- Edward Weston

2 - Le rôle du Traitement dans le Style

 

Le traitement (développement, retouche éventuelle et post-traitement de finalisation) fait partie de la technique du "labo numérique" (ou du labo argentique). Savoir post-traiter vos images est indispensable, et cela fait partie des choses qui vont vous distinguer.

 

Mais attention, ne soyez pas naïfs au point de croire qu'un type de traitement, un type de retouche, un préset Lightroom ou une Action Photoshop suffiront à créer "votre style". C'est beaucoup plus complexe que celà. La retouche n'est pas obligatoire mais si elle existe, elle fait partie du traitement. En regardant votre Portfolio, on devra trouver une unité de style au niveau du traitement.

Vous ne pouvez pas baser votre style sur "une manière de de retoucher" car : 
- Les grandes marques utilisent des retoucheurs indépendants. Vous devrez donc livrer des photos non retouchées.

- Certaines marques ou clients vous demanderont des photos non retouchées. Vous ne pouvez pas baser tout votre travail sur le fait que tout serat toujours retouché par vous et/ou comme vous le voulez

- Vous aurez a retoucher dans certain cas, mais vous devrez être capable de faire cohabiter des photos non retouchées et des photos retouchées dans le même portfolio sans que l'on puisse distinguer les unes des autres

 

Cependant, si tout votre style repose entièrement sur l'usage d'un type particulier de retouche, vous devrez prendre conscience que vos réalisations ne peuvent pas être basées sur la retouche uniquement. Comme dit au dessus, ne croyez pas qu'un type de retouche suffira à créer "votre style". La retouche sera un (et seulement un) parmi de nombreux éléments constitutifs de votre style. Vous pouvez par exemple regarder le travail de Erwin Olaf, qui utilise des retouches tres particulières, dans le cadre d'un travail dont la portée artistique et technique dépasse de tres loin la simple retouche ou traitement.

En dehors de ce cas particulier, et si retouche il y a, elle ne peut pas conditionner votre style, sinon que ce passe-t'il si on vous demande de ne pas retoucher ? 
Que se passe-t'il si la retouche est confiée au retoucheur de la marque ? 
C'est votre style qui doit dicter le rendu, avec ou sans retouche. Pour dicter votre style, utilisez les autres éléments de cette liste et si vous en faites, adaptez votre retouche à ce style.

Ref: Les Chapeaux du Photographe Moderne

 

3 - L'empreinte des techniques de prises de vue dans votre style.

 

Un photographe de personnages (Mode, beauté, portrait d'artistes, portrait institutionnel, portrait classique), qu'il soit Amateur ou Professionnel est censé connaitre toutes les techniques qu'il pourra rencontrer dans son activité.

On y trouvera notamment : la photo en lumière naturelle en interieurs et exterieurs, la photo en studio au flash ce qui inclut un nombre important de différents setups et modeleurs, la photo en exterieurs au flash ajouté à la lumière ambiante, la photo en interieurs au flash ajouté à la lumière ambiante, etc


Lorsqu'il réalise des photos en utilisant ces différentes techniques, le photographe devra y imprimer son Style. Les images devront avoir une unité stylistique, même si elles sont réalisées avec ces différentes techniques.

 

4 - Les Fils Rouges et les Thèmes Récurrents, l'unité de votre style

 

Dans le choix de vos sujets vous pouvez introduire des thèmes récurrents qui permettront de donner une unité thématique à votre style. Il n'est pas nécessaire de les aborder systématiquement. Les aborder de temps en temps — même partiellement — suffira.

De la même manière, utiliser des "fils rouges", c'est à dire des éléments techniques ou stylistiques que l'on retrouvera dans plusieurs séries différentes, permettront d'établir une unité. Le cadrage, la direction de la lumière, la position des sources, les distances, sont des éléments techniques dont la répétition savamment contrôlée donnera une sensation de rythme et d'unité.

 

5 - L'empreinte du matériel dans votre Style

 

Le matériel ne fait pas le Style. Mais certains choix de matériels pourront permettre d'influer sur le style. La parfaite connaissance de son materiel est indispensable pour que celui-ci puisse caractériser votre style de manière contrôlée.

 

6 - L'apprentissage et le Style

 

Le texte "les phases de l'apprentissage" décrit quels éléments vont influer sur le style, lors de votre formation qui rappelons le, dure toute la vie.

 

7 - L'intention, la base fondamentale du style

 

Chaque photographie devrait posséder une intention sous-jacente. Un flux créatif qui explique et justifie le fait d'avoir réalisé la photographie

"J'aimerais faire un shooting cet apres midi", ou "jaimerais faire un shooting sur le thème Rock" se sont pas des intentions.

 

En revanche, vouloir créer une image (sur un sujet précis) en se basant sur toute la culture possible concernant ce sujet, et pour une raison personnelle qui nous pousse à réaliser cette image de cette manière est probablement l'expression d'un intention valide.

 

Habiller, coiffer et maquiller une fille, puis la disposer sur un set et la photographier ne suffit pas à faire une photo de Mode...

Il faut avant une raison fondamentale pour avoir voulu en arriver là...

 

8 - Le Professionalisme et le Style

 

Ce qui caractérise un professionnel, c'est son aptitude à fournir un travail attendu et une constance dans ses résultats, d'un job à un autre. Le Style a les mêmes caractéristiques, puisqu'il donne de l'unité à votre travail. On peut être photographe Amateur et se comporter comme un Professionnel, dans le but d'uniformiser son style.

 

Ref : Edito : Soyez professionnel

 

9 - Votre style de direction du modele - La connexion avec le modèle

 

Les grands photographes ont pour point commun leur aptitude à diriger un modèle. Ce point est primordial en photographie. Votre style de Direction du Modèle imprimera à vos photos une unité de style. A vrai dire en portrait, c'est le facteur le plus important.

Ce que vous saisissez, je pense, c’est la relation avec la personne que vous photographiez. C’est un échange et c’est ce qui se retrouve sur l ’image.

— Peter Lindbergh, 2013

 

10 - La Culture Photo, l'expérience et le Style

 

Votre culture photo est plus importante que votre technique (mais votre technique doit-être aussi poussée que possible)

Ce point de la Culture Photo est fondamental dans l'élaboration du Style. Nous sommes tous influencés par des références, et ces références forment le terreau sur lequel va s'asseoir notre créativité.
La culture est également liée au temps et à l'expérience : pour pouvoir avoir un bon niveau de culture, il faut du temps et il faut expérimenter. Cependant, vous n'allez pas attendre pour l'acquérir : la Culture se construit chaque jour.

La culture Photographique comprend toute la culture technique (et notamment la connaissance des grandes lignes de la photo Argentique, même si vous ne photographiez qu'en numérique), l'histoire de la photographie et la connaissance des grands photographes.
La création est la naissance de quelque chose, et quelque chose ne peut pas provenir de rien. Lorsque quelqu'un crée quelque chose : une peinture, un poême, une photographie, la créativité provient d'une idée, d'une sensation, d'une émotion, ou d'une combinaison d'idées, de sensations et d'émotions qui sont en quelque sorte "nées à nouveau" de toutes nos expériences et points de vue

— Peter Lindbergh, "Créativity"

 

La Culture photo se construit avec par exemple : la lecture de portfolios et l'analyse d'images des Maitres de la photographie. La lecture d'interviews et de citations de grands photographes, la constitution de votre base documentaire — par exemple sous forme de tableaux pInterest —comprenant des photos des Maitres de la Photo, mais aussi la visite d'expositions photo, la lecture de livres photo, etc

 

11 - Vos gouts, vôtre âme, votre œil, le coeur de votre style

 

Il est tres difficile de réaliser des images sur des sujets ou thèmes que l'on n'aime pas. La Photographie est une activité artistique. Vous devez donc vous concentrer sur ce que vous aimez, sans toutefois devenir monomaniaque. Commencez déjà par un sujet proche de vos centres d'intéret. C'est votre culture qui vous permettra d'agrandir l'éventail de vos gouts. Votre "Œil Photographique" va se former autour de vos sujets de prédilection.


Nous avons tous le droit d'aimer certaines choses, mais également de ne pas en aimer d'autres.
En revanche, appliquer le "j'aime /  j'aime pas" à sa propre culture est tres castrateur. Si vous faites cela, vous ferez toujours la même chose sans jamais évoluer. Votre propre culture ne s'étendra jamais.
A l'inverse, si vous vous intéressez à une multitude de sujets (même à ceux que vous n'aborderez pas vous même, en tant que photographe), vous allez commencer à "ouvrir votre œil". Aller voir une exposition de Dali (par exemple) peut agrandir singulièrement votre horizon artistique et créatif...
Dites vous que si des gens sont considérés des maitres dans leur discipline, ce n'est jamais par hasard. Essayez de découvrir pourquoi ils ont acquis ce statut et ce qui, dans leur œuvre, représente la maitrise.

 

12 - La culture Artistique et votre style

 

La culture ne se limite pas à la photographie. Il existe une "péri-culture photographique", constituée des sujets qui sont reliés à la photographie, soit par des simularités techniques, soit pas des similarités de sujets ou de thèmes : la peinture, la musique, la vidéo notamment. Vous ne pouvez pas vous contenter de la seule culture purement photographique pour élaborer votre propre Style
 

13 - La culture de votre secteur fait partie intégrante de votre style

 

Un photographe de Sport se doit au minimum de connaitre les rêgles du sport qu'il photographie. Un photographe de mode se doit de connaitre la vie de Gabrielle Chanel et des autres grands Couturiers, l'actualité de la Mode, les Icônes de la mode, des Marques voire même celle des Mannequins et des Agences. Le fait de montrer que vous savez de quoi vous parlez va vous donner de la crédibilité et va influer sur votre style, car celui-ci pourra s'articuler dans l'existant, tout en se singularisant.

 

14 - Le bon équilibre entre technique et artistique donne du Style.

 

Cette notion est souvent mal comprise. On entend parfois dire que la technique peut brider la créativité. Il n'en est rien, bien au contraire. Ces deux points sont concourrants et non concurrents. La technique peut être poussée autant que possible. Et sa parfaite maitrise vous donnera toute la liberté artistique que vous pourrez exercer sans contrainte. Il faut simplement maintenir votre expression artistique un cran au dessus de la technique. La sensation qu'une photographie est "trop technique" n'est pas due à l'excès de technique, mais à un déséquilibre entre technique et artistique.
 

15 - Elaborer votre style passe par le travail, encore et encore.

 

La liste d'étapes ci-dessus vous laisse entrevoir la quantité de travail que vous devrez mettre en oeuvre pour façonner votre propre style. Ne négligez pas l'aspect technique, pas plus que l'aspect artistique, basé sur la culture et la communication avec le sujet photographié.

Shootez encore et encore. Faites vous critiquer par des gens qui ont le niveau suffisant pour pouvoir le faire, mais tenez compte également de l'avis des "gens de la rue" qui ne connaissent pas votre discipline, mais qui peuvent tout de même vous donner leur ressenti

Mis à part celui des grands Maitres (si vous avez la chance que l'un d'eux se penche sur votre Portfolio), ne tenez pas compte de l'avis des autres photographes sur le choix de votre style ou sur vos choix stylistiques. Ils auront tendance a essayer de vous dissuader de continuer dans cette voie.

Acceptez la critique, mais ne violez pas votre intégrité et restez sur vos convictions. Attention : vos convictions doivent être basées sur tous les points décrits ci-dessus. Ne devenez pas monomaniaque sous couvert de conviction stylistique

 

16 - Innovation, originalité et ... Photoshop !

 

C'est le fait d'assumer votre style (en utilisant les outils ci-dessus) qui par - par définition - va faire de vos photos des photos originales

 

Je pense que tout à été fait en photo

Et en même temps, l'innovation est dans chaque nouvelle image, pour peu que celle-ci dégage quelque chose.

Je ne pense pas que Photoshop ait quelque chose à voir avec la photographie. Donc une chose est sure : Photoshop ne permet pas et ne permettra jamais l'innovation en Photographie

Une photo "photoshoppée" n'est plus une photographie, mais un visuel infographique réalisé a partir d'une photo. Je ne vois pas comment un visuel infographique pourrait apporter quoi que ce soit à la photographie.

Un photo médiocre et/ou qui ne dégage rien sera toujours aussi médiocre avec Photoshop. Ça sera "une photo médiocre photoshoppée."
Une photo totalement refaite par photoshop parce qu'elle était tellement mauvaise qu'il à fallu tout reprendre, n'aura de toutes façons rien à voir avec l'original.

Et de la même manière un photographe devenu prétendument "bon" avec Photoshop, sera toujours médiocre, et cela deviendra évident lorsqu'on découvrira le subterfuge.

L'originalité tient à mon avis dans le fait d’être capable de "faire du nouveau" avec ce qui a déjà été fait. Faire du nouveau consiste simplement à faire une image forte. On ne se préoccupe jamais de savoir si l'image que l'on voit est "nouvelle" ou "originale" lorsqu'on à en face de soi une image forte. Et d'ailleurs, les images fortes sont rarement des images "nouvelles" ou "originales". Pour ceux qui photographient des modèles, cela passera notamment par la capacité à se mettre en communication avec le sujet, à en tirer quelque chose et à être capable de le mettre en image. Et ca, Aucun Photoshop ne sera jamais capable de le faire.

Je pense donc que si on recherche l'originalité, on a tout intérêt à se concentrer à faire l'ordinaire, en essayant de rendre les sujets extraordinaires.

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